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学生的论文： “美术”一词就会给人一种美的感受，不知从什么时候我开始喜欢上美术，但这种喜欢并不意味着我对美术有非常深刻的理解。 美术，以我个人的理解指的是一种享受，是一种思想上的享受，当然这指得是好的美术作品。每次我看到一幅我感觉好的作品时，我就会爱不释手欣赏很久很久，我有时甚至会身临其境。 下面我就来谈谈对美术鉴赏课的感想： 当初，我一开始并不是想选美术鉴赏的，而是为了工作，我选了就业技巧。后来我回到寝室经过反复思考，我既然比较喜欢美术，为什么不选美术鉴赏呢？大学应该是一个全面发展的时期。第二天，我选择了美术鉴赏。 第一次上课给我的感觉是让我很舒心，我一下子对这个课堂产生了兴趣，随着时间的推移，我的兴趣也越来越浓厚。每次上课我都感觉心情很好，课堂上也很轻松，，美术鉴赏在我个人认为理解是最重要的。只要你理解了，如果你在经过练习就更好了。 通过美术鉴赏课，可以使我们的视野更开阔，可以拓宽我们的知识面。在课堂上，我学到了很多知识，也让我学会了如何去真正地欣赏一幅画，以及画家在画一幅画的时候是抱着何种心情。还有作者到底在一幅画中所想要表达的意思…… 美术，在现实生活中到处可以感受到美术的气息，一张桌子、悬挂的衣服等等这些随处可见。学了美术鉴赏课，真让我受益匪浅，平常对生活粗略地观察也变得细心起来了。我渐渐地发现原来生活那么美好，有时观察一棵树，我会呆呆地看很久，仿佛自己身临其境了。 美术，浅意识地理解就是色彩，各种不同颜色的搭配，形成一幅幅画面。一般人们都只了解一幅画的表面含义，如果想了解得更深，就要更深层次地了解美术了。美术，更进一步的理解就是艺术，美术是一门艺术，同时也包含着作者在作画时往往蕴涵着深刻的含义，把自己的心情表现在一幅画中，使欣赏画的人产生共鸣。还有一些作品表现出了某一个时期特定的社会现象，蕴涵着社会矛盾，反映了社会底层劳动人民的生活状况，尤其是在战争时期，也有一些作品是人们无法了解的只能凭感性去认识画家的意图，这些通常具有宝贵的文化和研究价值，例如凡篙晚年的作品，他晚年精神失常，画的一些画总是让人匪夷所思，而如今他的画举世闻名，具有很高的研究价值。 当然美术不仅仅是画，美术包含多方面的内容，所涉及的面也非常广泛。美术鉴赏课让我学到了许多，尤其是在欣赏古代绘画时。欣赏古代绘画，不能以现代的眼光去欣赏，而要结合历史，讲究意境、章法和笔墨。中国古代绘画有其发展历程，可分为五个时期。原始社会开始（美之感萌生），汉以前（线之形确立），唐以前（神之韵高扬），之后过渡到清末以前（灵之魂主旋律），五四起（中与西交融）。 经过漫长的历史进程，美术的发展也越来越多元化。现代美术与古代美术有着本质的差别，现代的美术更多的带有现代的气息，现代画也十分地简明、易懂；而古代美术却让我们很难理解，以现代人的眼光，我认为古画看上去很难让人产生共鸣，必须与历史结合起来，才有所体会。古画也并不讲究进大远小的规律，以人物画为例，重点人物通常占的比例较大，次要部分占的比例较小。 学了美术鉴赏，让我的文化素质和道德修养得到了提高，还学到了日常生活的一些小常识，让我时刻观察生活中的美，知识面也得到了拓展，短短的课堂让我学到可如此多的知识。在这课堂上也让我感受到了大学的气息。 老师的论文 高中美术主题性鉴赏教学学生活动设计的原则 普通高中课程改革是我国基础教育课程改革重要的组成部分。基础教育课程改革是关系到科教兴国战略和人才强国战略实施全局的重大改革。随着改革的不断深化，我们要不断地探索、不断的创造、积累经验。我们在实践中始终坚持实事求是的原则，用客观科学的态度来发现，研究和解决问题。 【问题提出】 美术鉴赏教学的教材内容丰富，知识蕴含量大，给教师的备课和教学带来较大的难度。《基础教育课程改革纲要》中特别提出了要把转变学生学习方式作为课程改革的重要任务，要求通过课改促进学生在教师的指导下主动地富有个性地学习，以往我们对课堂教学目标的狭隘理解，容易使得“教”与“学”均停留在使学生获取知识这一层面上，虽然学得认真，实际并没有形成素质。我们认为鉴赏的教学结构、内容、设计应将学生的学习活动放在重要的位置上进行考虑。实践证明鉴赏教学如果没有学生参与，课堂将会如同一潭死水，无法实现教学的新理念、新思想。因此，要实现高中课程的目标要求，我们的教学不能脱离发展主体的积极主动参与。科学研究表明：“单纯的行为参与方式并不能促进学生高层次思维能力的发展，只有以积极的情感经验和深层次的思维、认知参与为核心的学习方式，才能促进学习包括高层次思维在内的全面素质的提高。”由此可见，教学中的学习方式对学生的学习结果具有决定性的影响。改变过去的学生学习方式是鉴赏课有效的关键，同时也是学生健康成长和潜能得以发展的客观需要。 我们的广大教师在新课程理念的引领下，进行了丰富多彩的课堂教学实践和深层次的体验，尝试了新的教法和新的课堂学生学习的活动方式，现将课改以来高中鉴赏教学学生活动设计的多种形式作一个回顾。 【问题点击】 美术鉴赏是一种特殊的精神活动，即对美术作品由表及里的充分感悟的过程。过去教师贯用的办法就是满堂灌，鉴赏教学容易上成“讲赏课”这种现象较普遍，教师在上滔滔不绝，学生在下面昏昏欲睡，课堂气氛沉闷，学生缺乏积极参与的习惯意识，创造性思维更无从谈起。 【行动反思】 一、情境引入式的鉴赏教学活动 一节鉴赏课好的开头是上好课的关键，导入的形式很多，教师应注意讲究导课的艺术，必须慎重地对待导入形式的创造性和灵活性，例如短小的故事、有趣的新闻、富有哲理性的格言警句，乃至一个实物，甚至一条消息都可以化为引入课文的内容，将学生带入学习的情境，并且还有利于开启学生思维的门扉，让学生开始就专注在教师的引导下，在情趣盎然中进入对新知识的求索过程。 案例片段： 1、《现代雕塑》的鉴赏课，引入新课的方式如：由复习古代雕塑引入，让学生回忆旧知识，提问古代雕塑的特点是什么？从而引出课题《现代雕塑》。 2、《走进抽象艺术》的鉴赏课引出课题的方式如： 教师：由于受传统审美心理的影响，我们常用“栩栩如生”这样的词汇来称赞我们认为好的作品。（通过提问，同学再补充几个“栩栩如生”的近义词，如：惟妙惟肖，形象逼真、活灵活现……）我们现在从画册上，展览中看到的许多外国现代绘画作品，其中包括世界艺术大师的作品，却再也不能用“栩栩如生”这个标准去衡量了，有的画得不像，有的让人看不懂，是不是没有具体形象的作品就不是优秀的艺术作品，应该怎样来观赏？教师又播放贝多芬的音乐，让学生去感受，说出他们的感觉，说明音乐既然可以通过没有具体形象的声音而为人们所接受，那么也可以用色彩和线条来组成有审美意义和画面。 这种由成语的相反意思提问，得到学生的互应，再加上音乐的欣赏感受直接让学生的思维集中在对点，线面的抽象绘画的形式欣赏方面。 3、《希腊罗马美术》鉴赏课，组织教学导入方式如： 教师首先以音乐导入，播放2004年雅典奥运会开幕式中希腊雕塑文化展示的部分，吸引学生注意力，激发学生的兴趣，将学生自然引入新课的学习情境之中。情境导入教学活动具有形真、情切、意远的特点，平面、立体形象相互交汇，使学生如入其境，可见可闻。 教师创设生动形象的情境目的在于激发学生的学习情绪，连同教师的语言、情感，教学内容以至课堂气氛成为一个广阔的心理磁场，从而促使学生更加主动积极地投入到整个学习活动的全过程中，通过引入情境，为开拓学生广远的想象空间，促使学生更为深刻地理解教材，发展学生的联想及想象能力。 二、注重学生主动参与形式的鉴赏教学活动 教与学的双边关系主要依赖教师的引导和学生的参与，决不是一个被动接受的过程，只有学生主体主动积极参与才能调动学生自身的领悟力和创造潜能，只有学生主体直接参与，才能激发学生欣赏的情意，从而促使学生表达自己对美术作品的观察、理解、思考、分析，一直上升到讨论交流和发表自己的见解。学生参与评述活动的过程即是学生的过程。 案例片段： 鉴赏《达芬奇最后的晚餐》一课，就不能光从构图、造型、色彩等方面来欣赏，首先需要教师介绍画中所表达的耶稣被犹太出卖的故事，作品的主题是歌颂耶稣的伟大人格，也鞭挞了叛徒的苟且偷生出卖灵魂的丑恶嘴脸，充分体现了画家的爱和憎。通过对作品内涵的介绍，能够很快地激发起学生兴趣。其次，在教师的引导下剖析作品，比如作品中有几个人物，他们的动态表情、装束、道具，表达了什么事件以及周围的环境气候，光线的作用等，从而引导学生逐渐对这一作品的了解，在学生参与感悟之后，教师在归纳时可以结合作品适当介绍作者生平、创作意图、创作过程，以及作者所处时代的社会背景，使学生进一步加深对作品内容主题以及作品价值的理解。 在此课之前，教师还布置过预习题，引导学生收集与欣赏内容相关的资料，缩短学生与作品间的距离，课前的“读画”，使学生加深对作品的直觉印象，教师也出示一系列问题引导学生对画面进行观察体味，还可以采用小组合作讨论的方式，以发挥学生的自主性，让学生有更多机会参与评述，让学生有一定的空间去思考，这种让学生主动参与的学习活动形式实际就是新课程观念下的新的课堂教学形式，这是一种行之有效的教学活动形式。 三、学生主动探究的鉴赏教学活动 美国沃·尔夫等认为：“将重点放在学生身上，教师的任务不是教会学生理解某件艺术作品，而是为他们提供机会，促进他们自己获得对作品的理解，这种对作品的感受性是不能教会的，只有在学生理解作品的过程中通过自己的努力而获得，学生应该自由地与作品进行交流，教师应尊重他们的所见所闻，所想所思。在提倡创造性思维培养的今天，应该特别鼓励一开始让学生能按照自己的愿望以直觉的方式，调度生活经验，融入自己的感情，不带任何框框和偏见地观赏作品。” 案例片段：《千资百态的美术作品》 教师组织引导学生介绍完课件中的雕塑家罗丹的《巴尔扎克》的创作背景之后，由学生展开讨论，学生可用探究式方法分组写出作者的创作意图，然后派选代表进行讲解，学生分组讨论，学生代表宣读讨论结果： “老师、同学们、大家好！我们小组观摩此作品感想很多，罗丹的作品大气、洒脱、富有大师气魄，不但这件作品精彩，前课中的《欧米哀尔》也十分大气，从作品的创作意图中看出罗丹是一位阶级感情十分明朗的雕塑家，也是一位极富同情心的艺术家，他的许多作品如《加莱义民》、《思想者》等都是为人民而呐喊的，他具有国际主义精神，有民族自强精神，他的作品的表现手法夸张中有洗练的气度，有一种一气呵成的气势，让人观后久久不能忘怀，作品《巴尔扎克》是罗丹一生最得意的作品，他的动态选择恰如其分，巴尔扎克夜间写作后的踱步情景，加上雕塑家大胆、夸张表现手法，准确地表现出大文豪巴尔扎克的精神气度。” 发言后教师给予适当评价。 本课讲述的艺术家的创作意图是理解美术作品的必要环节，也是本节课的重点，关于美术语言、艺术美、形式美等概念，直接分析对学生来说还是比较抽象，学生在理解上有一定的难度，教师可通过其它艺术形式的比较来分析。这种学生代表发表直觉观点的教学活动形式，体现了新课改以后课堂教学形式变化的典型。教师在教学中注意尊重学生的反应，要注意尊重学生感受的全部内容，以及面对每一件艺术作品的瞬间所表现出的兴趣关注。 四、角色扮演形式的鉴赏教学活动 在鉴赏课程的教学活动中，大多数教师会满足于讲教材，深堂气氛冷清，学生的学习无兴趣可言。让学生角色转变，成为扮演鉴赏作品中相关角色活动的做法，使学生的学习活动很快地成为教学中的“有我之境”。他们积极热情地按照自己扮演的角色去思考、去表达，成为作品鉴赏的主动参与者，同时激发了全班学生的注意力和情绪，使一堂鉴赏课上得有声有色，给学习者留下深刻的印象。 案例片段： 教师在鉴赏教学中，结合画面内容让学生扮演角色展开活动，现在的中学生在了解了绘画的相关背景资料后，可以胜任角色扮演，这种鉴赏方法很容易激起学生对作品赏析的兴趣。教师在宗教绘画欣赏课程中，预先给学生们布置了相关课题，让学生去寻找画面背后的历史宗教故事，让学生用表演的形式介绍故事及画家创作动机，演绎的形式让学生自由发挥，给学生提供充分的想象和表现的空间。如某班的一组同学借《小崔说事》节目形式，就达芬·奇的《最后的晚餐》这一宗教故事画进行了生动的演绎，跨越时空请来“达芬奇”先生进行访谈……在角色访谈中主持人介绍“嘉宾达芬奇”让同学们了解画家的生平，“达芬奇”的介绍让大家了解创作背后的故事……这种角色转换的学习活动形式，教学内容最好是以人物为主的作品，将原来从教师口中说出的变换到由角色（学生扮演）说出，收到了良好的教学效果，这样的教学给课堂带来了生机，显得丰富多彩，很好地体现了教学中学生的参与性和活动性，教学模式的改变突出了教学的活动的娱乐性，体现了活动课程的生机，同时也极大地提高了学生的学习兴趣，是学中有乐、乐中有学的体现。 五、实践体验形式的鉴赏教学活动 目前的高中教学模块的选择，本市大多学校选择了鉴赏必修和绘画模块选修，甚至有个别学校有机地将绘画模块与鉴赏模块加以整合，仔细思考，我们不难发现“绘画”教学中有鉴赏，鉴赏教学中容有大量绘画作品，应当说两者互为补充，相得益彰，尤其是绘画作品中的大量形式语言，帮助学生全方面、深入地鉴赏作品。鉴赏与学生实践、体验的有机结合给人感觉教学更有节奏，有张有弛，学生都能动起来，气氛比较活跃。教学中开展体验性学习活动，是在感觉体验认识的基础上，进一步调动思维和情感的体验，逐步获得对知识的感悟和认识，再通过动手实践体验感知的认识，提升认知思维，从而进一步获得创造与成功愉悦的体验。可从感触觉体验、视觉学习体验、动手实践体验、思维想象体验、情感审美想象体验等五个方面进行尝试。 案例片段： 一位教师在上《中国书法艺术》鉴赏课时，先对课本内容作适当讲解外，为提高学生对书法认识水平，特意让学生做一次简单的局部点画临摹练习，并注意让学生采取如下的步骤：1、线的力度；2、字的结体3、墨的浓淡干湿；4、字的布局等，进行综合的临摹。练习前，先请学生谈一下自己对作业要求的理解，然后教师进行当场示范，演习并侧重于前两项的练习要求，当学生明白作业要求之后再进行作业的具体练习。练习后，选取部分优秀的书法作品进行点评。 教师的评价应以优点方面为主，适当地指出影响学生作品进一步发展的不利因素（如用笔方法，用笔习惯等）。通过这样一番体验练习活动，使学生对书法的认识和印象会比教师平淡无奇的讲授效果好。“体验性”学习活动的方式多种多样，教师在鉴赏教学活动中应当根据自身的教学条件，开动脑筋，结合不同的鉴赏教学内容，适当选择实践体验性教学活动的方法和切入点，让学生在实践体验性学习活动中得以感悟和认识，从而顺利地进入鉴赏教学内容之中，“体验性”教学活动对教师提出更高的要求，教师必须综合素质高，在教学设计中，教师应利用一切可以利用的条件设计出良好的鉴赏活动学习方案。总之，“体验性”学习在美术鉴赏教学中能够让学生体现自身的价值，发掘自己的内在潜能，让“体验性”教学与鉴赏课形成互融协作的良好关系。 六、利用网络信息探索形式的鉴赏教学活动 信息技术教育与课程资源的整合，是新课程实施后一大新的美术教学特征。在建构理论的指导下，信息技术为高中美术欣赏教学提供了良好的学习环境，使学生的主体地位得以真正的确立，使自主性学习，探究学习，协作学习形式得到真正实现，极大地激发了学生的学习动机，培养了学生的创新精神和实践能力。鉴赏、评价、研究性学习等美术鉴赏教学活动在信息技术的支持下获得了新的发展。 案例片段： 1、一个高校的全新做法是： 建立了美术网络教学网站“网络美术实验室”网络分为资源区、学习区、交流区、教师区等。资源区分为站内资源和网络资源，站内资源有在线图书馆、名家名作，美术展览，美术院校，乡土美术、学术史论等；网络资源精选网上相关网站进行链接；学习区分为基础知识、高考特区、美术史、学习方法，相关资源课件等几个模块。具体的教学内容在相应的板块以不同的形式呈现，学校信息技术与课程整合专用的网络教学工作室为开展美术鉴赏教学活动创造了良好的条件。教师认为信息技术可以创设一个以学生为中心，教师为主导和与广泛的社区相联系的学习环境，这样可以有效地改进对课程的教学和开展更有效的鉴赏活动。总之，网络信息探索形式的教学，对于增强学生解决问题的能力。协作能力和创新思维；使信息技术的运用成为学习过程的有机组成部分；培养了学生获取，选择、传递、加工和利用信息的素养；同时又有利于促进班级内学生的合作交流，开阔学生的视野。 案例片段： 2、一个学校在“服装赏析”课的教学中，利用网络给学生们搜集了许多世界服装大师的个性时装作品图片，利用媒体展示各种千奇百怪的服装，学生边看教师边讲解服装的颜色的搭配、风格、款式等服装要素，从而开拓学生的视野。 建构主义学习理论和学习环境强调以学生为中心，要求学生由外部刺激的被动接受转变为信息加工的主体和知识意义的主动建构者，建构主义教学理论，则要求教师要由知识的传授者，灌输者转变为学生主动建构意义的帮助者、促进者，要求教师在鉴赏教学活动中采用全新的教学方法和全新的教学设计。 七、参观、访问形式的鉴赏教学活动 美术鉴赏学习活动可以利用的方法很多，教师应在不断地教学实践中加以总结，并能有所拓展，我们一定会创造出多种多样的符合学生年龄特点的鉴赏教学方法，美术鉴赏教学活动可以利用的资源有许多，其中的社会资源：可以是学校附近的博物馆、美术馆、画廊或艺术家的工作室，甚至还以邀请艺术到校举办展览，示范和演讲。 案例片段： 如上《中国陶瓷艺术》的鉴赏课，就可以带领学生到馆藏量很大的博物馆进行参观，参观前教师可以要求学生带相机，笔记本和教师预先设置的研究课题，学生可带着问题有目的地在展览中收集相关的图片和文字资料，在参观过程中除讲解员讲解之外，教师对重点代表作品和总的时代特征加以补充提示，然后回到教室，教师用课件向学生系统展示，并归纳讲解。也可根据研究课题内容需要在网上拓展搜寻，并加上学生自己的独特见解，作业内容是由学生每人撰写一篇一千五佰字的小型鉴赏论文，研究结果的展示，可以在网上公布，同时分小组派代表上讲台演讲研究报告，最后教师再对学生的报告加以适当评价，小结。 总之，这样的教学活动设计给教师提出了更高的要求，学生的拓展研究，教师更应该预先作好课程研究。在活动中，教师应当成为教学的引导者，帮扶者和鼓励者。这样的教学活动方式是师生共同发展的互动过程，在活动实践中互教互学，取长补短，纵深和谐发展，师生彼此将形成一个正真的“学习共同体”。 以上对鉴赏教学活动设计的一些问题的点击，并通过部分不同类型的教学活动设计的案例片段，积累了一些解决问题的办法和对策，供同行教师参考借鉴。美术主题性鉴赏教学的学生活动设计的多样性给课堂教学带来了生机。 我们认为在鉴赏教学学生活动中，应做到：1、活动设计必须紧密围绕一节课的教学目标；2、教学中学生活动内容和形式应具有广泛的适应性（不同层次，认识水平）；3、活动内容和形式应紧密围绕教学重点难点。4、活动安排应以学生感兴趣的形式为中心；5、分析形式应当有利于使学生形成创新精神和探究能力；6、活动设计应有利于学生情感、态度和价值观的培养；7、活动设计应有利于学生学会描述；8、活动设计应有利于促学生进思维的灵活性和多样性。 总之，高中阶段的必修鉴赏课教学的宗旨，主要是引导学生积极参与并学会用美术语言来评价美术作品，学会用艺术思维的方式认识世界，在了解中外优秀美术作品的过程中拓宽美术视野，尊重世界多元文化，提高美术素养。基于课改精神，我们的鉴赏课教学活动的设计显得尤为关键。 
这篇是网上的，你要是用的话，记得把句子改一下哦。 中西方美术的主要差异 摘要：美学和哲学有密切关系，中国美学深受儒道思想的影响，可以说儒道思想是中国艺术所依存的美学基础。西方受基督教的影响，认为神圣的价值在人和世界之外存在，需要去看，去听。根据基督教义的理解，艺术家对外在美的准确、完美的体现，是想完成对上帝的靠拢，是对上帝的一种贡献。这些美学思想体现在西方不同文化领域，具有不同的美学价值。中西方美学是屹立在世界艺术史上的两坐不同的高峰，他们之间没有根本上的谁高谁低之分，只是由于观念上的不同造成美学的差异，正是这些差异才让我们感受到了不同风格美术带给我们的震撼和美的感受。通过中西方美术在绘画、建筑、园林三个方面的差异，我们可以从中领略到中西方美术各自的魅力。 关键词：美术 差异 绘画 建筑 园林 正文 中西方美术在我认为区别在于中西方的哲学观念不同，艺术的发展是要有哲学做指导的，西方人考虑问题理性的因素比较多，而中国的艺术人在考虑问题中以人的思想指导比较多你可以看到，西方的美术作品追求的东西，以最为出名的，大家最熟知的文艺复兴时期为例，印象派的画家们是强调光的表现，是画家对光这种因素的主观和客观的科学分析莫奈到了晚期甚至逐渐抛开对形的把握而疯狂的追求光的表现，比如他创作的以自家花园为题材的<莲花>系列而反观中国的绘画，在国画中我们是看到的这种对客观事物的分析和解剖是不多的中国画强调意境，而意境则已经是纯粹的画家意识中的东西了直到国画大师黄宾弘开始，才逐渐的可以看到他在自己的绘画中开始借鉴西方的一些思想，进行一些方面的结合但并不是中国的艺术落后于西方的观念，而在于根本的哲学理念不同不同哲学指导所产生的艺术是不一样的。 中西方美学是屹立在世界艺术史上的两坐不同的高峰，他们之间没有根本上的谁高谁低之分，只是由于观念上的不同造成美学的差异，但这也更好的给了我们多样的选择。我再次选取了三个方面。从绘画、建筑、园林三个方面谈谈中西方美术的差异。 绘画方面的差异 中西方美术的最主要差异就在于透视，这是最根本的，中国绘画在创作上重视构思，讲求意在笔先和形象思维，注重艺术形象的主客观统一。造型上不拘于表面的肖似，而讲求在 似与不似之间”和“不似之似”，在透视上将焦点（一点）透视与散点（多点）透视结合；而西方绘画着重于焦点透视，比较客观科学地体现了物体的外观，真实客观是其特点。 绘画风格对于整个社会的影响都是巨大的，同时整个社会所形成的文化底蕴也同时反哺给了绘画。举例来说，从建筑上来说，人文，天气和建筑材料以及建筑工艺都对其有很大的影响，同样是巴洛克风格，每个地方都有些细微的变化。 西方人文在文艺复兴时期，思想波澜起伏，海纳百川形成了众多的艺术风格，功不在风格多少，而在于这一风气带动了人们的思想，不段的创新；反观中国古代，由于封建社会统治阶级的思想统治，迫使人们在一定框架中，不对君王，只对青山绿水，千年时间造就了中国画的辉煌，但也限制了中国绘画新时代的发展。当然在明清两代发展起来的工笔绘画，在一定意义上也偏重了西方绘画的焦点透视（工笔建筑要稍少一些）。 绘画工具的不同也造就了中西方绘画的差异。毛笔，纸张，绘画颜料可谓独树一帜，更体现了中国古代人民的智慧，当然整个当时西方社会的工艺水平也是很高的。 总的来说，中国绘画讲究的是意境，画面的构图可以北地之山，南河之水，成竹在胸，山林水楼，人物花鸟，增减不在话下，而西方绘画造型严谨，焦点透视决定了其在构图上有所限制，但也更体现了西方绘画方寸之间的精工细做，用现今意义上来说就是中国画在于细细品味，西方画细部则更加耐看。 绘画方面的其他不同点： 1、材料工具不同 西方古典绘画使用油画颜料，油画笔，以木板油画布为载体 中国传统绘画使用墨，植物色矿物色，毛笔，以宣纸和绢为载体 2、题材重点不同 西方古典绘画最强调的是人，人物画十分兴盛 中国传统绘画强调天人合一，人物画从唐以后变成配角，山水画十分兴盛。 3、观察方式不同 西方古典绘画从文艺复兴开始，和科学紧密结合，强调透视比例关系，画家的观察方式采用焦点透视。 中国传统绘画采用散点透视，没有西方那种特别完善详细的美术理论著作，只有一些画论流传，如“三远法”“六要”等等 建筑方面的差异 建筑材料的不同，体现了中西方物质文化、哲学理念的差异。 从建筑材料来看，在现代建筑未产生之前，世界上所有已经发展成熟的建筑体系中，包括属于东方建筑的印度建筑在内，基本上，都是以砖石为主要建筑材料来营造的，属于砖石结构系统。诸如埃及的金字塔，古希腊的神庙，古罗马的斗兽场、输水道，中世纪欧洲的教堂……无一不是用石材筑成，无一不是这部“石头史书”中留下的历史见证。唯有我国古典建筑(包括邻近的日本、朝鲜等地区)是以木材来做房屋的主要构架，属于木结构系统，因而被誉为“木头的史书”。中西方的建筑对于材料的选择，除由于自然因素不同外，更重要的是由不同文化，不同理念导致的结果，是不同心性在建筑中的普遍反映。西方以狩猎方式为主的原始经济，造就出重物的原始心态。从西方人对石材的肯定，可以看出西方人求智求真的理性精神，在人与自然的关系中强调人是世界的主人，人的力量和智慧能够战胜一切。中国以原始农业为主的经济方式，造就了原始文明中重选择，重采集，重储存的活动方式。由此衍生发展起来的中国传统哲学，所宣扬的是“天人合一”的宇宙观。“天人合一”是对人与自然关系的揭示，自然与人乃息息相通的整体，人是自然界的一个环节，中国人将木材选作基本建材，正是重视了它与生命之亲和关系，重视了它的性状与人生关系的结果。 建筑空间的布局不同，反映了中西方制度文化、性格特征的区别。 从建筑的空间布局来看，中国建筑是封闭的群体的空间格局，在地面平面铺开。中国无论何种建筑，从住宅到宫殿，几乎都是一个格局，类似于“四合院”模式。中国建筑的美又是一种“集体”的美。例如；北京明清宫殿，明十三陵，曲阜孔庙即是以重重院落相套而构成规模巨大的建筑群，各种建筑前后左右有主有宾合乎规律地排列着，体现了中国古代社会结构形态的内向性特征，宗法思想和礼教制度。与中国相反，西方建筑是开放的单体的空间格局向高空发展。以相近年代建造、扩建的北京故宫和巴黎卢浮宫比较，前者是由数以千计的单个房屋组成的波澜壮阔，气势恢宏的建筑群体，围绕轴线形成一系列院落，平面铺展异常庞大；后者则采用“体量”的向上扩展和垂直叠加，由巨大而富于变化的形体，形成巍然耸立、雄伟壮观的整体。而且，从古希腊古罗马的城邦开始，就广泛地使用柱廊、门窗，增加信息交流及透明度，以外部空间来包围建筑，以突出建筑的实体形象。这与西方人很早就经常通过海上往来互相交往及社会内部实行奴隶民主制有关。古希腊的外向型性格和科学民主的精神不仅影响了古罗马，还影响了整个西方世界。同时，如果说中国建筑占据着地面，那么西方建筑就占领着空间，譬如罗马可里西姆大斗兽场高为48米，“万神殿”高5米，中世纪的圣索菲亚大教堂，其中央大厅穹窿顶离地达60米。文艺复兴建筑中最辉煌的作品圣彼得大教堂，高137米。这庄严雄的建筑物固然反映西方人崇拜神灵的狂热，更多是利用了先进的科学技术成就给人一种奋发向上的精神力量。 在建筑造型方面， 中国古典建筑的屋面一般都做有明显的曲线，屋顶上部坡度较陡，下部较平缓，这样既便于雨水排泄，又有利于日照与通风。在歇山顶与庑殿顶的建筑中，屋檐都有意做成微微的向两侧升高，特别是屋角部分做成明显的起翘，形成翼角如飞的意境。对比西方古典建筑的典型实例帕特侬神庙，它的檐部则是做成中央微微凸起的曲线，正好与中国古典建筑屋檐曲线相反。西方这种凸曲线产生了一种挺拔平整的艺术效果。 西方古典建筑柱式有明显的收分和卷杀，希腊古典建筑的柱子还有侧脚和角柱加粗的手法；对比中国古典建筑，尤其是唐宋时期的正统建筑柱子的卷杀与侧脚也极常见，这反映了对审美手法的共同性，只是柱子由于材料的不同而在比例上有所不同。 另：东西方建筑差异新实例分析 1、西方建筑 西方建筑每每以巨大的体量和超然的尺度来强调建筑艺术的永恒与崇高。它们具有严密的几何性，常常以带有外张感的穹隆和尖塔来渲染房屋的垂直力度，形成傲然屹立，与自然对立的外观特征。古代埃及建筑文化的代表——金字塔与神庙，便突出表现了这一特点。金字塔是埃及法者或贵族的陵墓，古埃及人信奉灵魂不死的观念，认为死后永久保存肉体，便可在天国求得永生。由此，埃及法老在世时均要为自己营建代表永恒信念的金字塔。金字塔与我国古代王陵绝然不同，它不带有“入土为安”的阴柔之美，也不在深埋地下的地宫中去创造宛若人世间的富庶华丽生活的地下天堂，而是以最简明有力的几何形式，集中表现出一种与世长存的永恒主题。从艺术哲学观念来看，位于尼罗河西岸开罗近郊的吉隆金字塔群，正是以其巨大、单纯、简洁、稳定的造型，在广阔、原始、浑朴的大漠中，表现了一种超自然的纯阳刚之美，而产生了强烈的纪念性——神圣，永恒，庄严，崇高。 古埃及的神庙也一样，例如位于卡纳克的阿蒙神庙，建筑巨大而沉重，威严而神秘，完全显现了一种阳刚的崇高之美。阿蒙神庙最著名的是大殿，又称“多柱厅”，其面积达5000平方米，密密层层排列着十六行，一百三十四根高大粗壮的石柱。它们的底径比柱间净距还要大。这种处理，显然是追求压抑，超感性的艺术效果。马克思在论说西方宗教建筑时曾说过：“巨大的形象震撼人心，使人吃惊……这些庞然大物，以宛若天然生成的体量，物质地影响着人的精神，精神在物质的重量下感到压抑，而压抑之感正是崇拜的起始点。”阿蒙神庙建筑所夸张的正是这种纯物质的重压，旨在引起人们惊愕和震撼的观感，在这里，秀丽，含蓄的阴柔之美已完全被排斥了。 2、中国建筑 中国建筑体系是以木结构为特色的独立的建筑艺术，在城市规划、建筑组群、单体建筑以及材料、结构等方面的艺术处理均取得辉煌的成就。传统建筑中的各种屋顶造型、飞檐翼角、斗供彩画、朱柱金顶、内外装修门及园林景物等，充分体现出中国建筑艺术的纯熟和感染力。七千年前河姆渡文化中即有榫卯和企口做法。半坡村已有前堂后室之分。商殷时已出现高大宫室。西周时已使用砖瓦并有四合院布局。春秋战国时期更有建筑图传世。京邑台榭宫室内外梁柱、斗供上均作装饰，墙壁上饰以壁画。秦汉时期木构建筑日趋成熟，建筑宏伟壮观，装饰丰富，舒展优美，出现了阿房宫、未央宫等庞大的建筑组群。魏晋、南北朝时期佛寺、佛塔迅速发展，形式多样，屋脊出现了鸱吻饰件。隋唐时期建筑采用琉璃瓦，更是富丽堂皇，当时所建的南禅寺大殿、佛光寺大殿迄今犹存，举世瞩目。五代、两宋都市建筑兴盛，商业繁荣，豪华的酒楼、商店各有飞阁栏槛，风格秀丽，明清时代的宫殿苑囿和私家园林保存至今者尚多，建筑亦较宋代华丽繁琐、威严自在。近现代中国建筑艺术则在继承优秀传统相吸收当今世上建筑艺术长处的实践中，不断发展，有所创新。 园林方面的差异 综观中国的园林和西方园林的发展史，我们不难看出，两者有很明显的区别。前者强调：自然、野趣；后者强调统一、讲究几何等等，二者在风格上迥然不同。中国山水园林表现的是自然美，布局形以自然、变化、曲折为特点，要求景物源于自然，又高于自然，使人工美和自然美丽融于一体，做到“虽有人作，宛自天开”，西方园林则更大程度上体现了人类征服自然、改造自然的成就。在他们的园林里，你会发现人工雕琢过的自然散发着另一种美，一种被人类理想化了的美。这种美表现的直白，很显露。 1、中西方园林差异的历史渊源 要了解中式园林和西式园林，我们首先比较一下东西方城市布局：在欧洲，城市是曲折的，而花园是方正整齐的；在中国，城市是方正整齐的，相反花园是曲折，甚至是曲径通幽的。为什么东西方城市布局和园林正好相反，我们可以追溯到二者城市历史的发展史： 欧洲的几何式花园，形成于封建制的晚期。当时，新兴资产阶级和国王一起，正力求摆脱几百年的封建分离和混乱，建立统一的、集中的、秩序严谨的君主专制政体。而欧洲的城市，大多是从中世纪的商业、手工业和水陆交通发展起来的，中世纪城市的曲折，本是封建分裂和混乱的产物。 中国的自然式花园，形成于中央集权的君主专政的统治之下。为它服务的政治斗争和僵硬的意识形态，压抑一切生机。尚有灵性的社会知识阶层，希望在这个僵化的社会中寻找透气的孔洞，因而他们向往自然和自然中的生活。而这个中国历史的城市发展，在大多数的年代，都是官僚体系的行政中心，城市的方正，都是历史中那些专政政权的产物，这方面在皇帝定都的城市中特征尤为明显。如北京的城市布局：整个城市是典型的棋盘式布局，但皇家园林圆明园、颐和园中却处处体现小桥流水的自然情趣。从上面比较可以得出：几何式的西式花园和自然式的中国花园，在他们形成的时候，都反映着当时在思想文化上影响最大的人们的愿望：他们要摆脱什么、向往什么。当时的城市，反映着他们要摆脱的，当时的园林，反映着他们要追求的，所以，园林和城市、风格上形成对照。 2、两者的具体区别 在欧洲，建筑统率着园林。这从某种程度上意味着秩序和纪律统帅一切。不但建筑物在布局里占主导地位，而且它迫使园林服从建筑的构图原则，使它“建筑化”。不但花园，甚至连林、木都建筑化了，道路、水池和小建筑物把几何格律带进了园林。在花园里，人们并不欣赏树木花草本身的自然情趣美，他们只不过是有各种颜色和表质的材料，用来铺彻成平面的图案，或者修剪成圆锥形、长方形、球形等等绿色的集合体。花园的美，是这种图案和几何体的建筑美。所以，绣花植坛里用染过色的沙子和石头做底，他们的作用和花草差不多。这种园林，只有借人工的喷泉来给他一股生气、一股活力。 在中国，建筑格律并不统率园林布局，而在园林里，是园林的构图规则统率着建筑，迫使建筑“园林化”，随高就低，打散体形，并且向自然敞开。自然本身还随着湖石、竹树、流水等等渗透到建筑物里去。人们欣赏的是树木花草本身的美，不但欣赏它们的形态，还欣赏他们的“生命”和“人格”。岁寒不凋的松柏，出污泥而不染的荷花，劲节虚心的竹子，刚正坚贞的石头，他们和人们有感情上的联系。甚至象晋简文帝那样“觉鸟兽禽鱼，自来亲人”。于是，人就融化在自然之中，率性适情，暂时忘掉尘世的烦恼。 中国的造园艺术因此是抒情的，出世的，人们在自然山水中恬谈隐退，连皇帝都要自比为与世无争的樵夫渔翁。沉思默想，抚琴吟诗，感情磨练得十分敏锐细腻。竹影花影，风声雨声，露光荧光，茶香药香，都能引起心头的微澜和想象力。一片石、一池水，不但可以幻成江湖丘壑，还代表着一种生活理想，一种文化精义。所以，从园林的定名到题建筑物的联额都成了风雅的事。把文学引进到造园艺术中来，园林的精神容量就扩大了。而这文学，大多是描绘没有人间烟火气的自然风光之美，抒发蔑视名缰利锁、礼法名教的疏狂之情。园林里演出过多少浪漫故事，西厢记里的主人公也要到园林里才发现自己的青春。 西式园林的造园艺术是理性的，入世的，在筑就的平平的台地上推敲着均衡、比例、节奏。他图解君权，而君主在这里仍然扮演着至高无上的角色。人们在里面交谊、歌舞，举办大型节庆活动，甚至放烟火，热热闹闹。连造园要素也有热闹的：大量喷泉、水风琴等等含有很多机械元素的东西。许许多多的雕刻把古代神话带进了园林，题材不外乎感官的享受。从来没有定园名、题联额这类风雅事情发生。所以西式园林不但在布局上是一览无余的，它的意境也是比较粗浅的，体会不出多少深永的生活滋味。 3、东西方园林的审美差异 两者的审美差异我们可以做一个形象的比喻：如果说中国的园林像一杯充满清香的茶，需要我们细细品尝，然后用心去体会的话。那么西方的园林就像一壶浓郁香气的咖啡，给你以直接的享受。 中国园林艺术的最高境界是“天人合一”，讲究自然天成，不露人工斧凿的痕迹。中国古代向来把园林看成是一首诗或一幅画，而不是单纯的土木工程。它巧妙地将诗画艺术与园林熔为一炉。诗画与园林作品不仅赞美自然本身的形态美，而且更注重自然的内在美，将自然“人格”化。认为松柏延年，荷花廉洁、翠竹虚心、崖石坚贞、兰花品高等，这些都是和人的情感相联系的。因此，竹影花影，风声雨声，阳光月光，茶香花香，都能激起人们的情感的丰富的联想，形成中国古典艺术园林艺术的独特风格。 西方园林则更大程度上体现了人类征服自然、改造自然的成就。在他们的园林里，你会发现人工雕琢的迹象到处存在，到处都是散布着集合图形，在这里，园林已经不是园林本身的自然美，他是建筑的一部分。 从两者的比较中我们不难发现，西方人更注重个性的充分发挥和自我理念的完美结合，不过欲拘泥小节，张扬且十分大气，但有时他们的园林会给人一种与环境极不协调的感觉，身处其中有一种矛盾、冲突的体验，能给人一种振奋的感觉；而我们东方园林，造园处处体现“和谐”，注重人与景的和谐、景与景的和谐，而“个性”二字是很难以展现的，许多大胆的创新都因为会破坏了这份“和谐”而难以实现。因为和谐，东方的园林不免有点小家子气，因为和谐，带给你的宁静而安详的心境，所以中国的园林是修心养性的好地方，尤如世外桃源。 就如吃饭，萝卜，青菜都有才好，园林建设不妨中、西的都有，中西合璧也是一个上佳的选择。人有不同的性格，不同的时候往往又有不同的心境，不同风格的园林恰与之相应。 结束语 由于中国传统美术自成体系和中华民族特定的审美意识，在不同历史条件下产生和发展的中国美术理论和西方美术理论有一定差异。主要表现为以下几个方面： ①从理论形态上看，中国传统美术理论多为感受性和经验性的评议，多结合对具体作品的品评，进而涉及作者的个性品格；西方美术理论的理论性较强，多是侧重作品形式的抽象分析和阐释。 ②从哲学基础上看，中国传统美术理论崇尚和谐、中正，其范畴多为相互作用、相互制约、对立统一的辩证关系，如形与神、情与理、虚与实、刚与柔、正与奇等；西方美术理论，偏重从科学的角度寻究造型艺术形式美的依据，从而，其传统的理论一直以模仿说为主导，并产生了透视学、艺术解剖学、色彩学等学科。西方现代美术理论因强调个性和意志的自由，而有极端化和绝对化的倾向。 ③从社会学意义上看，中国美术理论注重美术同自然和社会的和谐关系，注重美术的社会功能；西方美术理论更多地强调对作品形式美的自由观照，强调美术的无利害和非功利性。当然，这种比较只是从整体上相对而言，随着中西美术交流和文化相互影响的加强，中西美术理论也相互产生影响，出现一定程度的相互吸收和融合现象。然而，与此同时，在理论上所表现的差异增大和多元化倾向也更加明显。 在今后的发展中，随着美术理论自身的觉醒和自身价值的加强美术理论将出现由愈来愈强的独特性、科学性、严整性和丰富性所构成的空前繁荣。 中西方美学比较，不仅要向我们传统美学提问，也要向西方美学提问。不仅研究它们的历史，还要促进解决我们现在需要解决的问题，思考在美育的工作中存在的问题。美，是思辨的哲学、最微妙的心理学、最情感的艺术。美是文化精髓的集焦点。 参考文献： [1] 顾铮 著 《自我的迷宫》 山东画报出版社2003年版 [2]贺西林 中国美术史简编 成 [M]北京 高等教育出版社 2003 [3]《黄昏后的契机——后现代主义》 北京大学出版社2004年版 [4] 『美』劳丽•S•亚当斯 著 时易 译 《 艺术鉴赏讲座》 上海人民美术出版社2004年版 [5] 列•斯托洛维奇 《审美价值的本质》 中国社会科学出版社 [6] 托马斯•门罗 《走向科学的美学》 中国文艺联合出版公司 [7] 阎增武 《美学原理导论》 黄河出版社 [8] 张樟。住区过渡空间的探讨[J]中国园林，2002（3）：19-
