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艺术作品的论文摘要

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xiaofeng5030
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上个世纪初，在西欧流行一部卷幅浩瀚的长篇小说《芳托马斯》。32卷由两个作家合作完成，每月创作一卷。合作延续到1914年第一次世界大战爆发，后来，路易•菲伊雷德把小说改编成电影，放映后在欧洲引起轰动。    《芳托马斯》的主角是一个十恶不赦的坏蛋，叫芳托马斯。他入室盗窃，诱奸妇女，抢劫银行，无恶不作。警察全力追捕，街上贴满缉拿文告。但是芳托马斯狡诈异常。警察根本不是他的对手。他有高超的易容术，从不露出真容；他身手敏捷，能飞檐走壁；他精通缩骨术，能从极小的缝隙中飞身而过。他经常与警察玩猫捉老鼠的游戏。他化装成绅士出入于酒店、旅馆与赌场，时而与政要侃侃而谈，时而与贵妇逢场作戏。总之，这是一个半魔幻半真实的风流大盗。他有智取法律的力量，敢于向愚蠢的官僚机构挑战，具有超现实的魔力。    《受威胁的凶手》就是芳托马斯的崇拜者之一，超现实主义画家马格利特的作品。关于马格利特的介绍网上可查，不在此赘述。接着返回原画上，整张画面，二名手持简单工具的侦探，一具赤裸女尸，一名穿着讲究不明身份的人，三名围观者。最初看到这幅画时，脑中便充满各种诡异的问号:谁杀了那名女子？留声机旁边的男子到底是谁？那两名侦探为何手持如此简单的抓捕工具？三名围观者到底看到了什么？    找到了上面的背景，心中稍微宽松，若马格利特真的是在画芳托马斯的话，留声机旁边的男子就应该是那位风流大盗了。刚刚做完案的他正在准备易容逃跑，地上的旅行箱，凳子上的大衣和帽子是他的作案工具。门口的两名侦探正在等待时机，或许是在等候支援的同伴，面对名声大作的芳托马斯不敢轻举妄动，面部表情极其凝重。三名围观者目睹一切后，惊愕、忧郁尽显脸上，一切一触即发。而画家更是将看画人的视角至于这一切发生的最近处，整个场面令人紧张不已。    可是画家在这里开了个小小的玩笑，在已经发明了留声机的年代，两名侦探还手持木棒、绳网，意图逮捕芳托马斯如此这般的江洋大盗，画家拿我们顽固。愚蠢的官僚机构开了一把涮。    老师也讲到过，整幅画人物的面孔全是马格利特，听到时很是迷惑。为何要将自己画成所有人？是技术，用以构成魔幻感么？以哲学绘画著名的画家应该不止有这点想法吧？我这样猜度着。受害者是我，施暴者是我，围观者是我，执法者也是我。画家这么画到底是为什么？    画家画这幅画的时候，立体主义，野兽主义已经在欧洲普遍流行，达达主义，未来主义，超现实主义正在蓬勃发展。随着照相机的发明，画家的绘画对象，表现手法都发生了重大改变，艺术观念经受着暴风骤雨般的洗礼，画家本人也从一只烟斗开始，去探索相似和近似的概念，，把观念和形象分离开来，挑战了大众的常识，发人深省。用绘画把“是”与“不是”这个哲学问题表达出来。而以上各种主义发展到达达主义反传统，反艺术之后，不论是艺术，还是道德都需要一种颠覆，杜尚用他的作画颠覆了艺术形式，那马格利特这幅画就是对道德的一种颠覆。画家崇拜芳托马斯，崇拜他能玩弄政府机构于股掌，完全自由；在作画职业上，画家却扮演着那两名侦探式的人物，理性，专业；在现实生活中，画家扮演着别人生活的围观者，或许自己也是受害者。一个人身上有多种身份，不同以往，受害者是值得同情的，施暴者是必须谴责的，围观者是完全无辜的。道德不如以前一样代表着绝对的善恶，而是随着人性的胶合越来越暧昧不清。我们的自私，冷漠不再是无事者的无关紧要。因为一切都与自己有关。这也正是体现了现代艺术的本质，对观念的改变和诠释。改变和诠释建立在艺术家大量的思考上。马格利特受不了巴黎的艺术氛围回到了比利时，自己一个人思考，用画笔去诠释，虽然在美术史上不如其他一些大家那般早年得志，却也画出了自己的一副天地。他的画总以哲思出名，比例的夸大，主题的诡异，思想的深奥，挡住了大部分人的脚步，被印在钞票上的《天降》，我倒觉得远不如他《窗》系列那组画来的动人，画布遮挡住窗户，画上户外的景象，真实是什么？画家用这组画来拷问我们。与其说马格利特是魔幻现实主义画家，我到是偏向于把他归为现实派的思想，魔幻的表达手法。他和达利不同，达利执迷于如何表达潜意识，但是马格利特却表达着现实，用魔幻拷问着现实。对于常规，大多数人选择默认，而马格利特却用自己的画笔拷问着这些大家默认的东西。以哲人的身份画画，这就是我想说的马格利特。【参考书目】： 《马格利特：图像的哲学》 刘云卿 广西大学出版社 《现代主义绘画解读》 孙家祥 上海教育出版社 《剑桥艺术史-20世纪艺术》 罗斯玛丽•兰伯特（英） 译林出版社 《世界著名图像的秘密》 张延风 百花文艺出版社 《奢华的冒险-现代艺术的消解与重建》 张彬 北京大学出版社 《二十世纪视觉艺术》 爱德华•路希•史密斯（英）

艺术作品的论文摘要
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liwei_727

[摘 要]长诗《荒原》是英国著名作家艾略特的代表作，在欧美现代文学史和诗歌艺术上具有划时代的意义，也是象征主义文学的代表作。从文学艺术作品的欣赏角度上看，它的艺术价值以及在这其中所蕴涵的艺术美主要体现在抽象的象征主义美、突出的现实主义美、独具特色的意境美和结构与神话的完美结合。本文利用《荒原》这首诗的美学特点来直观地给大家展现一个美的方向[1]。同时通过对艾略特的诗歌的分析来了解外国的文化与思想的特质。[关键词]荒原；美学；诗歌；艾略特1、引言托马斯斯托姆艾略特1888年出生美国密苏里州的圣路易斯城，是新英格兰一个名门的后裔。父亲经商，母亲爱好写诗。少年时艾略特暑假常随父母从圣路易斯到麻省海边度假。美国中西部的密西西比河和新英格兰的大海在他童年留下深刻记忆，对他以后的诗歌创作带来不少影响。1906年，艾略特进入哈佛大学专修哲学，受哲学家乔治?桑塔雅那和新人文主义者欧文?白壁得的影响。他兴趣广泛，学习了梵文和巴利语言，对印度宗教也很感兴趣。虽然他在哈佛大学主攻哲学，但并没有一个哲学家，但他的哲学修养在文学家中却是出类拔萃的。他的诗歌创作部分得益于他的哲学涵养，为《哈佛拥护者》编稿和写稿。艾略特文艺观的最大特点表现在他的“客观对应物”理论中。他认为：以艺术的形式表达情感的唯一方式就是找出一种“客观对应物”，艺术的“必然”就在于情感外形的完全恰当[2]。 如在莎士比亚的《麦克白》中，当麦克白听到夫人的死讯时所说的话就是由某种“客观对应物”传达给读者的，而在《哈姆雷特》中，这“恰恰是欠缺的”。艾略特认为：可以充当“客观对应物”的东西包括掌故、意象、引语、事件、情境等等。这样，诗人在作品中表达情感的唯一方法就是寻找、描写这些“客观对应物”。他完成了关于英国哲学家F．H．布拉德雷的博士论文，但没能回哈佛大学接受博士学位。1909至1910哈佛杂志《哈佛倡导者》发表的他早期诗歌有着拉弗格诗歌的痕迹。1914年艾略特遇到了埃兹拉?庞德，并与他建立了亲密的文学和私人关系。他在法国和德国学习哲学和文学，柏格森哲学、法国象征派诗歌特别是拉弗格的诗歌均对他有影响。1917年，艾略特的著名论文《传统与个人才能》从反对浪漫主义角度提出“非人格化”学说。针对浪漫主义者关于诗歌是诗人感情的表现的观点，他认为主观的感受只是素材。要想进入作品，必先经过一道非人格化的、将个人情绪转变为普遍性、艺术性情绪的过程，将经验转化为艺术的过程。针对浪漫派直接抒情的表现手法，艾略特在“哈姆雷特”一文中认为“在艺术形式中唯一表现情绪的途径是寻找‘客观对应物’”，即“一套事物，一种形势，一串事件，它们是你想表现的那种特殊情绪的公式”；“只要这类东西一出现……那种情绪也就引发了”。这正是象征主义以特定事物来暗示情思的创作方法，对新批评家注重发掘文字中所暗示和含混不清的东西很有影响。因此，诗歌就成为一种象征，人们要理解作品的寓意就不再只限于读懂单词的意义，而必须掌握事物场景的象征意义。2、荒原的艺术特色艾略特是上世纪最伟大的现代派文学大师之一。即使今天审视艾略特，他仍不失大家风范。他的气质是美国人的气质，这是不可否认，难以掩盖的。他的许多作品深深地熔合了美国文化。这种双重的记忆性造成他诗歌的历史渊源；不是脱离美国的文化本土，而是不可阻挡的澎湃洗礼着诗人。他身上融注了世界级文学大师的全球意识和超前意识，凝聚着批评家的机敏睿智和诗人的情感气质。在诗歌创作道路上，他如一匹脱缰的野马，在20世纪的“荒原”上纵情奔驰，表现了强烈的现代意识和反叛精神。他的诗作《荒原》以哀婉悲凉的格调，抒发了现代人的“荒原意识”，达到了现代主义诗坛的巅峰。《荒原》是一部晦涩艰深的现代经典作品文本。艾略特不爱痛快淋漓地直抒胸臆，而是寓机智、讽刺与含蓄之中，说故道今，纵比横喻，用深化传说来投射现实。再加上没有完整的叙述，而是通过迂回的隐喻，影射西方现代文明的堕落和精神世界的枯萎[3]。所以最初发表时，几乎无人能读懂，但大家又都被它迷住了。当代著名诗人、批评家阿伦?塔特说，他第一次读《荒原》时，一层意思也猜不透，不过他意识到这是一部伟大的诗篇。埃德蒙?威尔逊(Edmund Wilson)认为在《荒原》的残片后面存在着一个完整的象征构架，诗人用历史来烘托现实的感受，写出了现代人的空虚、厌倦和灵魂对解救的渴望。康德拉?艾肯认为《荒原》在叙述上的不连贯性变成了一个优势，认为这首诗属于一个“象征的层次”。同样，理查兹(I?A Richards)认为评论界极力重建《荒原》的“思维线索”的企图是徒劳的，因为此诗的逻辑并非理念的前后一致，而是感情上的统一。互不关联段落的效果组合成一个和谐的感情整体并导致意志的解放[4]。这些观点都是很有道理的。笔者认为《荒原》这部长诗中，艾略特以其特有的方式写出了整整一代人的幻灭感，凝练地概括了战后普遍存在的精神状态，反映了当时西方知识分子的一种没落情绪，表达了渴望从宗教上寻求精神出路的愿望并号召人们迅速觉醒来“拯救这个荒原”，使现代人在感情、精神和智慧方面重获生命力。《荒原》主要反映了第一次世界大战后西方普遍悲观失望的情绪、精神的贫困以及宗教信仰淡漠而导致的西方文明的衰微。诗人笔下的“荒原”充满满目的荒凉：土地开逢，贫瘠，树木枯黄，冷落。处在荒原里的人精神一片死寂，好像到处都是骸骨的堆积，是不能开启的失落。印刻的文化也是毫无出路的，上帝与人、人与人之间失去爱的勾连。他们是相同的个体，却有如此的陌生，感情的交流跌入谷底只有动物的原始的欲望[3]。外部荒芜，内部空虚的境地，生是如此的不易。怎样让人得救，突出静寂的氛围，这需要精神的开荒，源源不断的，才能使人得救，逃离荒原，奔向新的世界。（句子很乱，请修改）诗中，艾略特至少引用了35个不同作家的作品与流行歌曲，插入了六种外语，包括梵文。艾略特模仿贝多芬晚期创作的包括五乐章的奏鸣曲的形式，将长诗分成五章，即“死者的葬仪”、“对弈”、“火诫”、“水里的死亡”、“雷霆的话”。从表面上看，各部分之间在结构上互不相连。因此，有人说《荒原》是艾略特“破碎思想体系的残片”。实际上，一条无形的情感主线贯彻全诗的各个部分，使该诗形成一个有机结合的整体。各部分从不同的侧面服务于全诗的主题，缺一不可。第一章“死者的葬仪”描写了荒原的荒凉和现代人虽生犹死的状态；第二章“对弈”描述了上层社会和普通平民的空虚无聊和污秽的生活及精神状态，进一步阐述了现代人所陷入的精神危机；第三章“火诫”以人欲摇流的画面，说明了荒原存在的原因；第四章“水里的死亡”探讨了现代人沉沦的物欲原因；第五章“雷霆的话”展示了诗人对拯救荒原的积极态度，探讨了拯救荒原的途径。各部分均以拯救荒原为主线，从不同的角度使诗的形式与内容达到统一。如果抽掉其中任何一部分，都会破坏全诗的整体完美性。正因如此， 构成《荒原》晦涩艰深的原因部分源于艾略特的直觉主义认识论和悲观主义的不可知论。《荒原》确实具有独特的内涵和深远的寓意，吸引每一代学人，每一流派的批评家从不同角度的诠释。这正是《荒原》作为一个文本所具有的永远的魅力和多重诠释的艺术价值[5]。 较贴切的一篇：_asp?id=20956更多相似文章：%C3%C0%D1%A7%D4%AD%C0%ED%C2%DB%CE%C4&pn=20&f=1
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kellyxiao1

价值是社会需要的反映　　本文的思考还是从前面已触及的价值开始。价值是什么？事物本没有价值，事物的价值产生于人的需要，没有人的需要，就没有价值。所以，价值所体现的是人的需要。再形象点说，价值是一个在“人”的概念统摄下、只为人而存在的范畴。因为价值对人的这种依附性，所以就某一事物自身而言并没有固定不变的价值。价值是随着人对它的需要程度的变化而变化的。价值变了，商品的价格也应发生变化。然而，传统的经济学理论告诉我们，商品的价格不一定能反映商品的价值，二者时常处于某种程度的分离、违拗状态。今天从人的需要的角度对此观点进行反思，我们发现商品的价值在传统经济学理论中竟然是可以离开人的需要而独立存在的！？我们不禁要问商品的价值由什么构成？难道仅仅是由有用的物质性的实用价值构成的吗？应该清楚地知道，商品的使用价值不仅包括实用价值，而且包括审美的、心理的和社会政治的等等诸多功能，这些功能作为符号性的存在物，与有用的物质性的存在物一道，构成了商品的使用价值，共同对人的需要负责（当代有关这方面的理论论述很多，最主要者当属法国著名学者让?鲍德里亚的消费社会符号交往与幻象仿真理论【4】，在此恕不赘述）。当我们认清了商品的使用价值既包括实用价值也包括符号价值（鲍德里亚语）等多种价值成分以后，我们就会无法容忍只看重实用价值而无视符号价值的草率做法。因此我们说，商品的价格与价值是统一的，价格是商品价值的当下现实的真实反映。没有价格，商品的价值就无法体现。　　正因为构成商品的价值的成分的多样和复杂，所以对商品的价值认定就需要我们辨证地、综合地进行。例如，我们不能以生产一个商品所投入的有形的物质性的材料和资本劳力的多少，来确定商品的价值。为什么？因为很有可能生产出来的这个商品与社会中人的需要构成不了对等关系（就绘画作品而言，也许是其非物质性的格调上或者色彩情绪上有某种属于上述符号性的功能障碍，造成消费者心理上的排斥），社会中的人不愿意按照生产者定的价格来购买它。如果是这样，那么这种商品生产就是无效生产，这种商品也就是无价值的。由此可见，在商品的价值问题上，任何单方面对价格的认定都是无效的，真正的生效必须是在具体的购买行动中实现。还需要特别提醒的是，商品价格与价值的某种程度的背离，只能发生在类似垄断这样的与真正的商品自由平等交换相违背的商品异化的情形下，而这种情况已不属于正常状态下的理论探讨的范围。　　既然商品的价格与价值是统一的，也就是说市场的流通价格是商品价值的真实反映，那么艺术作品作为一种商品其价格就是其艺术价值的真实反映。　　艺术价值、艺术作品的艺术价值　　有一种迄今仍然在不少人文知识分子中存在的看法，认为艺术生产是一种特殊的精神生产，它既遵守一般物质生产的规律，又有其认识价值和审美价值，也就是有其精神生产的特殊性，不可简单地套用艺术作品的价格是艺术价值的真实反映这种说法，否则，我们无法解释为什么有些艺术家的作品虽然没有可观的市场价格，但却在人们心目中具有极高的艺术价值这种现象。这种观点用另外一种表述方式来说就是：商品价植（价格）不仅不能体现艺术作品的艺术价值，而且是对艺术价值的玷污、削平和减损。　　看来我们有必要在此澄清一些概念上的混乱。首先要声明的是，艺术价值和某一艺术作品的艺术价值是不同的。艺术价值是在人的类的生命存在的层次上发生的，它体现的是艺术对人的生命活动的本源性功能和意义，换句话说，它是有关人的生命总体的人文学意义上的概念。人们常说艺术是无价的，正是在此意义上讲的。而艺术作品的艺术价值则是以艺术价值为依据和准则对艺术作品的一种价值判断，它所反映的是艺术作品在开掘、建构和呈现上述人的生命活动的本源时的具体方式和具体意义。艺术活动本身的价值是无法估价的，即所谓艺术无价。但是艺术作品的艺术价值确实可以估价的，因为艺术作品的艺术价值作为生命本源的具体呈现方式和具体意义，从来就不是孤立的存在物，它在与其它艺术作品的艺术价值的具体呈现方式的关系中，其各自的具体意义是可以相互比较和估量的。所以，我们是在不同艺术作品的艺术价值的关系层面上才说艺术价值是可比较的，有高下之分的。　　经过这样的分析，我们清楚艺术价值本身并不与商品价值发生什么关系，倒是艺术作品的艺术价值与艺术作品的商品价值发生关系。艺术作品的艺术价值是其商品价值的价值承担者，这也正是为什么人们欣赏和消费艺术作品恰恰是冲着它的艺术价值来的缘由。因此，艺术作品的商品价值所体现的是，艺术作品以其呈现生命活动本源的具体方式在多大程度上满足了社会的人的需要，也即艺术作品的艺术价值在多大程度上满足当下社会的需要。在艺术作品的艺术价值与商品价值二者同社会的人的需要所建立起来的现实关系中，艺术作品的商品价值是其艺术价值的一种反映。事实上，艺术作品一旦作为商品进入流通，就已经形成了衡量作品的艺术价值的一种新的评估系统，这也正是它受到传统既有的与乔治?迪基在其有名的“惯例论”中称为“艺术界”一脉相承的评估系统猛烈攻击的原因【5】对于这个问题我们将在稍后展开讨论。　　认清艺术作品价值本质的几个误区　　要认清艺术作品的价值本质，至少应该注意这么几方面问题：一?艺术作品的价值是由人们的消费需要而不是消费结果来衡量的。我们通过分析弄清楚了艺术价值与艺术作品的艺术价值的区别，知道艺术是无价的，但这并不意味着艺术作品的价值也是无价的。　　可是总有一些人坚持认为某幅画深刻地影响了自己一辈子，所以它是不可用价值来估量的。按照这种逻辑，价值就完全成了主观的任意之物。这表明依照接受和消费的效果来决定艺术作品的价值是行不通的。二?艺术作品的商品价值与艺术作品在某一特定具体阶段的商品价值是不同的。以小说为例。在一段特定的时期内，一部畅销小说的销售量大大地超过了托尔斯泰的《安娜?卡列妮娜》的销售量，我们就不能从中得出什么结论。因为一件艺术作品既有由所有时期或所有阶段的具体形态之价值总和构成的商品价值，也有一件艺术作品在某个具体时期或阶段的具体形态所呈现出来的部分性而非总体性的商业价值，这两者是无法相比的。三?艺术作品的价值不是作品本身所固有的和一成不变的，而是随时代的变化而变化的。凡高的画在今天的人们看来是具有极高的艺术价值，但在凡高本人活着的时候，却没有卖掉一件作品。这是为什么？画依旧是那张画，自打它被创造出来就一直是海德格尔所说如此这般的这个作品本身。问题出在哪？问题出在作品所蕴涵的艺术价值虽为作品本身所拥有，但会随着时代和人群的不同而发生变化，会呈现出不同的意义。在凡高活着的时代，他的画不是社会的总体需要的一部分，因而它们没有现实的艺术价值。今天的情况就完全不同了，它们极大地满足了现代人的艺术消费需要，焕发出极大的艺术价值，也就理所当然地获得了极高的商品价值。如果用更加概括性的表述方式讲，这就是：某一艺术作品的价值之所以会随历史的变化而发生变化，就在于它在不同历史阶段与人的共时性关系是不同的；与此同时，它在每一个历史阶段的与人的共时性关系中所呈现出来的价值，都是它自身所固有的某种东西的体现。这就意味着艺术作品在某一历史阶段（比如当代）的与人的共时性关系中所呈现出来的价值，是不能当作它在所有历史阶段与人的共时性关系中都固有的。否则，就是如同我们过去将马克思主义经典作家在特定历史时期的思想，当成“放之四海而皆准”的教条一样，犯了形而上学的思维方式的错误。　　艺术价值评估与话语权力　　前面分析到艺术作品的商品价值构成对其艺术价值的真实反映，因而形成了一种新的评估系统，并且受到来自既有的先在的评估系统的抨击。这是不争的事实。其实，我们在现实生活中会发现，艺术作品的艺术价值并不是无标准可循，而是有标准的，它是由掌握着话语权力的专家和权威制定的。这样一来，作为某一阶层或某类个体的专家和权威所作出的判断就有可能被客观化或真理化，而相对于特定的接受者才呈现出来的艺术作品的价值，就有可能变成可以脱离接受者而独立存在的属于艺术作品永久内在固有的东西，即上述“放之四海而皆准”的普泛的价值。专家们所获得的这种被齐格蒙?鲍曼称之为“立法者”专有的权力【6】，是一个有着深厚而复杂历史和文化渊源的产物，对它的历史存在和现实状况的探讨可以说是一门难度极大的浩繁工程，本文无法深入探讨。但是有一点是明确的，专家和权威认定的艺术价值往往在一般大众那里的不到应有的现实化的回应。这就好比马克思那段著名的话所说的：“……对于没有音乐感的耳朵来说，最美的音乐毫无意义，……”【7】专家和权威所欣赏的艺术作品与普通大众所欣赏的艺术作品之间的不同，不仅是艺术趣味的不同，而且更重要的是艺术价值的不同。由于大众总是多数，专家权威总是少数，就形成了和众曲低与和寡曲高的白雪巴人式的所谓“雅”“俗”观。　　艺术作品的“雅”与“俗”具有历史转换性　　需要特别说明的是，我们对专家和权威制定的评估艺术作品价值的标准的分析，并不意味着我们对这种评估标准的合法性的认可，只不过对这种标准的合法性的检验需要上述十分浩杂的研究工作，而它已经大大超出了本文的研究范围。事实上，由于价值归根结底是一个属于人的范畴，它是在人对艺术作品的接受行为中实现的，因此艺术作品的价值问题与作品接受者的人员结构和在社会整体中的比例等等有密切的关系。尤其是当代社会，艺术作为社会中普遍流通的商品，面对的不再是极少数的王公国戚，而是广大的大众，因此，在某种意义上说，艺术作品的商品价值主要由大众的消费趣味决定，这也就造成了艺术作品一味迎合大众的趣味而使其艺术价值降低的文化快餐现象。　　如何看待艺术作品身上发生的这种“雅”和“俗”的对立呢？其实，从历史发展的角度看，这二者并非铁板一块，而是随历史的变化而变化。在西方绘画直到文艺复兴时期才从地方民间的俗艺术转化为雅艺术。随着人们文化层次的提高，经过历史检验的雅艺术也为更多的人接受，成了覆盖面广大的俗艺术。艺术的短暂性与永恒性总是相辅相成的，没有绝对的短暂性，也没有绝对的永恒性。　　如果说通俗艺术和高雅艺术的区分是发生在传统社会形态的背景下，前者主要指民间流行的艺术，后者主要指贵族和宗教艺术；那么，大众艺术与精英艺术的区分则是发生在当代社会的语境中，前者的对象是有知识和一定资产的由多种社会职业和社会身份混合成的社会群体，后者的对象是深爱民族传统国粹和热忠先锋性、实验性探索的人士。无论通俗还是高雅，大众还是精英，从发展的角度看，相互之间都在转变着。而促使转变的原因依然是社会的人的需要的变化。　　我们自始至终都在艺术作品作为商品的范围内来讨论它的价值本质问题，因为只有这样才能排除缠绕或覆盖价值本质的种种枝节和假象，才能更有效地逼近价值本质的核心部分，但愿本文的努力能为揭开艺术商品化的全部难题起到应有的抛砖作用
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yulufang

The drawing has the greatly strengthened infectiousness and the visualdeterminism， is the author manifests the oneself emotion the scheme todivulge， can return to original state the thing itself appearance andthe consummation author's innermost feelings imagination worldSimultaneously the drawing layout depth， the size， illness Xu and soon the rhythmic variation， affects Yu Ren's physiology， the psychologyin turn， can cause the people to have the different mood activity orthe emotion response; This kind unique and the complex rhythm rule issimilar to the people to need to have regular， the periodic rhythmicvariation recreational activities or the artistic work in the dailylife alleviates， fills a prescription in the physiology， thepsychology weary， intense， disorderly， is monotonous The drawing isgives the people by the color tangible rhythmic effect by the Therefore in the drawing art rhythm beautiful became had theresearch value the Studies this question to be allowed tolet us clearly understand drawing art the influence which lives to thepeople， understood America which the rhythm function to draws whichthe exhibition to come the effect， Now regarding drawingart esthetic appreciation， specially regarding drawing in rhythmresearch quite one-sided， is relatively Calculated mentionedthe drawing rhythm with many has not carried on Speciallythe present some artistic critics in comments some drawing works timeregarding the drawing in character of rhythm have not raised， what butare more is from its aspect and so on performance cultural connotationand ideal condition carries on the commentary， although the drawingdisplays the cultural connotation and the ideal condition may carry onthe annotation to the drawing depth， but I thought the drawing isvisual art， therefore a drawing work first must hold is our eyeball，only had first holds our eyeball to be able to let us stop the thinthin personal status Therefore in regarding presentdrawing esthetic center， is esthetic to the picture rhythm is
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qtvbgyta1

Summary:The painting has very strong infection and the sense of vision assurance， is an author body oneself the affective diagram type drains now， can restore the feature and perfect author of thing of heart of imagination The painting sets up in the meantime of depth， size， disease Xu alternative rhythm variety， the function can make people produce different motion activity or the reaction of emotion at the person's physiology， mental state;This kind of special but complicated rhythm regulation needs to take to have regulation， periodic rhythm the text Yu activity or art work of the variety to alleviate， adjust a physiology in the daily life like people， mentally of tired， nervous， miscellaneous disorderly， The painting is with the color obvious rhythm effect to give people with dulcify So rhythm within painting art the United States became to have the problem of research Study this problem can let us clearerly understand a painting art to the influence that people live and understand the effect， body that the rhythm function will come at the painting now of the United SAppreciate beauty to the painting art now， especially for the research of rhythm in the painting more unilateral， opposite Spoke of on the whole the rhythm of painting also have no heel have another of carry on The especially a little bit current art critic lifted for the word of the rhythm in the painting at the time of commenting on some painting works， but more of express from it of cultural content and artistic conception to carry on commentary， although cultural content and artistic conception express by painting can carry on annotation to the depth of painting，I think that the painting is a visual art， so a painting work first want what to hold tight is our eyeballs， only holding tight our eyeballs first then can let us come to a stop small and soft personal status among them of So appreciate beauty appearance rhythm in for the painting in nowadays appreciate beauty is to the pass is Keyword:The lines skin texture of the rhythm color is clear and dark to appreciate beauty
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