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美术创作的主体是人，没有创作主体的创作，便谈不上任何意义的美术活动。创作活动是一个极其复杂的有机过程，它是多种因素在创作主体思维的激活。一个时代和创作主体本身所追求的哲学、美术及文化理念；创作主体所面对的外部世界及其相应的“内化”方式；创作主体的内部世界及其相应的传达方式；具体的艺术样式所需的切入生活的体验途径和方法等等，所有这些因素必须有机地激活创作主体的创造思维并最终导致作为被创作主体所决定的终极形态——作品。在这一创作过程中必然体现出创作主体与世界的多维度、多层面的关系，具体表现为创作主体在历史、文化、社会中所处的位置，并反映出创作主体自身的文化理念、价值取向，精神资源、审美心理意识及创造能力。 美术家的主体姿态，在不同的美术观念下有不同的体现。在现实主义观念下，美术家是客观世界本质的反映者；在现代主义看来，美术创作体现了创作主体对“精神家园”徒劳而绝望的找寻，它是主体精神的最后挽歌；在后现代主义的理论中，美术是一种复制，一种拼贴，一种毫无本质和动因的能指的滑动，在这种随心所欲的“狂欢式”的滑动中，实施着某种意识形态的颠覆功能。如何创作美术作品，取决于创作主体的创造能力和创造意识，更取决于这些因素如何化为一个具体的创造过程。创造过程是美术文本从无到有，是显示创造主体创造因素的最佳场所。因此，了解创造过程是了解创造主体及其创作的关键所在。一，美术创作作为一种不可知的心理事件美术创作从心理学的角度看，是一种心理活动，因此创作必然关涉到感觉、知觉、联想和想象、无意识、直觉和灵感等等基本创作心理因素、机制和流程。感觉是人的感观同外界事物接触而产生的客观事物个别特性的主观映象。在视、听、味、嗅、触等五种基本的感觉中，它们各司其职，眼看其形、耳听其声。感官的分工是十分具体的，它产生的当然是物象的个别映象。这里需要注意的是，感觉从事物的个别特性开始相应形成个别映象，这是传统心理学的观点。一些现代心理学派，如“格式塔”心理学派就认为人对事物的感知开始于“完形”，开始了整体，再由整体向部分发展。在理解创作心理时，注意到这些现代心理学的观点，将有助于形成更为全面的看法。特别值得一提的是，现代艺术后现代艺术对感觉的迷恋和崇拜。人们很难象对古典艺术作品那样从中能读出某种社会宗教或文化的意义，如在达·芬奇、伦勃朗或罗丹的作品中，对于《最后的晚餐》，对于一贯爱用明暗法处理人物和景物的伦勃朗的“街头流浪者”我们可以从中读出某种“意义”；从罗丹的“老妓女”身上，我们可以看到丑陋的社会压迫。但在现代或后现代艺术中，它们给人的是一种强烈的视觉冲击。面对梵高的作品，我们有一种原始的疯狂的感觉，一种压迫的绝望的感觉。这种现代主义的推崇的感觉过渡到后现代的玩弄感觉在美术创作中引起了不良的后果。女人们月经纸被贴到美术厅的大墙上，脱裤子往颜料缸蹲下，再将屁股朝宣纸上按个印，这难道是艺术吗。美国佛罗里达一家画廊里挂了两幅现代抽象画，画家名不见经传。参观者对这两幅作品都给予了相当高的评价：“画家对象征主义的运用相当娴熟”等等，有些人对这两幅画赞叹不已，并愿出高价买回收藏，后来得知，这两幅“画”并非人所作，而是一只猩猩的信手涂鸦。当代美术创作这种崇拜感觉玩弄感觉仍然没有减弱之势，这一方面体现了其掩盖才情的匮乏和灵魂的荒凉的企图；另一方面也显示了一些人试图借助惊世骇俗的视觉冲击赢得鲜花和掌声的心理动因。知觉是感觉的深化和发展。感觉反映事物个别特征，而知觉则反映出事物的整体。整体性，是知觉的一般特征。知觉的整体性有两种，一是能够从杂乱的背景中，把各种相关的因素突出来使之构成一个整体。比如在一幅色彩斑斓的绘画中，我们能根据一定的色彩关系，区别出其中的人、树、山、云等。一是知觉能够经由若干局部便把握到对象的整体，而且这种把握不是来自联想，而是来自知觉本身。如一只箱子，我们只能看到一、二个面，最多也不会超过三个面，但我们可以知觉到这是一个六面体的立方体。因此知觉，尤其是与美术创作相关的视知觉，不是一个从个别到一般的感知过程，而是从一开始就已经把握到对象的粗略的结构特征的普遍性。这种结构特征的普遍性，几乎不包括刺激物的惰性的形式，而是“一种通过创造一种与刺激物材料的性质相对应的一般形式结构来感知眼前的原始材料的活动。这个一般的形式结构不仅能代表眼前的个别事物，而且能代表与一个别事物相类似的无限多个其它的个别事物。”。这就是渗透感知主体某种“理解”、“感悟”的知觉概念的形成。因此“知觉活动在感觉水平上也能取得理性思维领域中称为‘理解’的东西。任何一个人的眼力都能以一种朴素的方式展示出艺术家所具有的那种令人羡慕的能力，这就是那种通过组织的方式创造出能够有效地解释经验图式的能力。”然而感知又受制于主体既有的心理图式和探索性“期待”的支配影响。对同一棵古松，艺术家感知到其傲举不屈，植物学家注重的是其根茎叶的年代和变化，而一个木匠则关注它的实用价值。艺术家在感知某一事物时，总会自觉不自觉地站在审美立场上，他的感知是审美感知，与一般人最大不同就在于这种感知后于审美目的，而不是实用或其它功利目的。因此审美感知既具有整体性又具有选择性。整体性与美术创作必须反映或与表现事件整体关系相一致；选择性是审美的个别、鲜明、独特的感性特征决定的。要创作出一个独特的形象，个性特征的发现与表现是一个基本前提。艺术的感知方式的变更往往会改变对历史上许多艺术家和艺术作品的看法，提供一种截然不同的历史景观，因而会造就一部截然不同的美术史。克莱夫·贝尔的《艺术》中将以塞尚开始的现代艺术运动所提供的新的感知方式概括为“有意味的形式”（苏珊·朗格称为“生命的意味”），[]从而为塞尚、马蒂斯和毕加索现代主义艺术确定了新的标准，极大地改变了当时欧洲人对艺术史的看法。感觉和知觉都是人们对作用于感官的客体的直接反映。不同的是，感觉是局部的个别性的，而知觉是整体的结构性的，它反映整个事物，反映事物特性的总和及其相互关系。想象及情感感知所得到的物象或事物的映象被强化后便形成表象。它是在主体思维中形成记忆并随时可以复现的映象。作为映象，它具有完整性和持久性，因而也就有了作为进一步展开的创造思维所需材料的独立性。对表象的不同处理是人类两种思维分水岭。表象抽象为概念，理性思维便开始了；表象升华为意象，则迈出形象思维的最关键的一步。意象是表象经过主体的加工改造，融合了主体思想感情的产物。它具有两个基本特征：一个带有创造色彩；一是主观性和客观性的融合。它创造的方式是想象，创造的动力主要是情感，当然有时也包括思想，此外还有不知不觉渗透进去的创作主体的潜意识。在艺术创作中，想象起了至关重要的作用。没有想象，任何文本的创作便无法进行。所以波德莱尔把想象誉为：“一切官能的王后。”他说：“是想象教人以色彩、线条、声音和芳香的道德意义……它创造一个新世界，生产新的感觉。既然它创造了世界（我想人们完全可以这样说，甚至在宗教意义上），当然应当由它来统治世界”。想象是一种在观念形态上再造现实和创造新形象的心理功能。它包括两种基本力量，即再造与创造。再造想象，就是头脑中浮现储存的生活映象。这种浮现，往往需要一个支点，一个启示或一个刺激信号，通过这种启示或刺激，映象由此及彼的展开，这就是人们所说的联想。每一种联想都是一种思维方式的扩张过程，都会带来某种意象的产生。创造想象有三种方式：无中生有（创象），有中生变（变象），化有为无（抽象）。现代艺术要表现一种非同寻常的感觉大多倚重创造想象。保尔·克里说：“艺术不是再现可见，而是使不可见成为可见。”这一成为现代美术创作的箴言。现代主义绘画，从根本上说是一种“想象”的绘面。波德莱尔曾把画家分成想象性和写实性两种，他反对那种临摹自然再现自然的“写实性”画家，推崇表现现代美的“想象性”画家。认为写实性画家缺乏想象力，是蹩脚画家。波德莱尔这一观点是从艺术应该表现“现代性”，忠实于自我的角度出发，把再现自然的现实主义画家说成是“写实性”画家。实际上，波德莱尔所谓的“写实性”画家也需要想象力，我们可以从18世纪以前的西方古典艺术轻而易举地得出这一结论。只不过是现代艺术更注重表现难以表现的主体那难以名状的现代色彩和现代感觉。通过扭曲、变形，抽象和创象表达现代人的“不可表达性”。因此德加把浴女的头发画成红色，马奈、高更、马蒂斯使色彩平面化，野兽派完全不理会客体的固有色彩，色彩随着主体的主观感觉随心所欲。抽象派大师康定斯基从写实转向抽象绘画的契机，是一次黄昏回画室，突然发现一幅横倒靠放于墙的画美妙无比。画面物象方化为纯形式和纯色彩“美得不可描摹”的构图。蒙得里安的《苹果树》由一段段直线弧线复合而成，最终他完全抛开外在世界的客体物象，走向体现事物“根本结构”的方格方块。马列维奇是从印象派、野兽派出发，经过“立体——未来主义”，最终走向《白底上的黑方块》（1913年）和《白底上的白方块》（1918年）。所有客观物象，都在想象的“抽象”功能下消解、虚化、纯净，达到空无的“象外之象”。创造性想象不像联想那样总要寻求两种“象”之间的内在联系，而是无拘无束的自由驰骋。它既能无中生无，有中生变，化有为无，而且还能有中出奇。现代派艺术寻求的就是“震惊”。其持续不断、永不疲惫的创新能力“旨在引起某种惊愕”（勒博特）和对“视网膜的轰炸”。想象之所以在美术创作中发挥如此巨大的作用，根本原因就在于情感的推动。没有情感，想象就无法展开。想象总是情感的想象，总是移情的想象。 
选题意义和目的一般作为开题报告里面的第一块内容，是阐述你所研究的这个选题有没有研究价值或者说讨论价值的， 写开题报告的目的，其实就是要请导师来评判我们这个选题有没有研究价值、这个研究方法有没有可能奏效、这个论证逻辑有没有明显缺陷 写意义的时候根据你的选题来决定形式可以分现实意义和理论意义也可以不细分，把目的和意义和在一起写，总之突出你观点的新颖和重要性即可建议可以从这两点来叙述，不过要根据自己的选题，不要生搬硬套: (你的选题)是前人没有研究过的，也就是说研究领域中一个新颖有意义的课题，被前人所忽略的 前人有研究过，或者说阐述过但是没有阐述论证的足够全面，你加以丰满，或者驳斥前人的观点，总之，意义和目的一定要叙述的清晰并且是有一定新意的其次注意自己所使用的理论，你是用什么理论证明你的观点也要叙述清楚，否则难以有说服力在做文献综述和国内外研究水平的评价等等也要有翔实的根据这样才能衬托出你的选题的意义所在
首先纲领性把握两者区别：目的——重在阐述论文要解决的问题。即为什么选这样一个题目进行论述，要论述出什么东西。意义——重在表明论文选题对理论研究有哪些贡献，或对实践具有哪些帮助和指导。在明确两部分的区别之后可以对选题的相关领域进行搜索，明确当下该选题有哪些研究成果，还有哪些部分是你的选题需要补充和完善的。对选题的价值有一个综合性的判断。最后进入实战部分：可以先简单叙述该课题的起源或者发展状况，然后阐明选题着重解决哪些问题（讨论范围）。最后对你的选题进行价值性评估，说清楚这篇论文将对理论产生哪些推动作用，或者对实践有什么指导意义就可以了。PS目的和意义可以分开写，也可以合并写，看个人爱好以及资料的详实程度。希望对你有帮助~祝论文顺利 O(∩_∩)O
艺术设计与社会经济 内容摘要 本文运用马克思主义的哲学观点，从社会发展与艺术设计发展历史两个方面辨证地分析了艺术设计与社会经济的关系。文章认为，社会经济的发展造就了艺术设计的繁荣，艺术设计促进了社会经济的发展，从而导出艺术设计必须为社会经济服务、必须融于社会经济发展自己的结论。值得一提的是，文中大胆提出了"艺术设计也是一种生产力"的鲜明观点。 文中提到的艺术设计，包括装潢设计、环境设计、工业设计、服装设计等方面，是指既具艺术性，又有经济性的一种实用艺术形态。艺术设计作为艺术的一个门类主要以创造功能美为目的，这体现了它的艺术性。而另一方面，它的价值必须投入到社会经济活动中得以实现，则充分体现了它的经济性。这样一种实用艺术形态的使命是提高人类生存环境的质量，满足人们日益增长的物质和文化的需求。这决定了艺术设计本身就具有精神与物质的两个层面。 艺术设计是社会意识的一种体现形式，社会经济是社会存在的表现形式之一，艺术设计与社会经济的关系密不可分。艺术设计与社会经济的关系的本质是精神与物质的关系。就是说，社会经济是基础，艺术设计要为发展社会经济服务。社会经济状况的好坏，可以制约艺术设计的发展；艺术设计的发展对社会经济具有推动作用，却不能决定经济发展的状况。 一．社会经济的发展造就了艺术设计的繁荣 从历史发展角度看，社会经济高度发展的时期，也是艺术文化繁荣的时期。例如英国，就是因为工业革命时期政治、经济、文化的发展而成为现代设计的发源地。 在我国，1997年邓小平提出改革开放的政策，开始引入市场经济。当时，广东处在改革开放的最前沿，经济在长期压抑之后飞速发展。由于社会对艺术设计的需求剧增，造成广告设计、产品设计、环境设计等专业人员紧缺，广州美院不得不顺应这种市场需求，将工艺美术系改为设计系。从全国同类院校(系)的情况看，由于近年来经济形势的长期向好，艺术设计专业也一直是一个热门专业。 从艺术设计本身的发展来看，现代设计的起源有两个显著特征，其一是劳动的分工，其二是生产工艺的改进使得大规模生产和低消耗成为可能。艺术设计的每一次飞跃和进步，都处在因社会分工而造成的社会经济高度发达的时期。首先，因为社会经济发达，社会需求加大、人类文明和审美情趣的提高，为艺术设计提出了更高的要求并提供了雄厚的物质基础。其次，社会经济高度发达时期也是社会观念大变革、大解放时期，为艺术设计的应用和发展提供了广阔的思想和思维空间。 二．艺术设计促进了社会经济的发展 邓小平说："科学技术是第一生产力"。我们认为，艺术与技术相结合的产物--艺术设计，同样是一种生产力。它像其他生产力一样，推动社会经济的发展。 首先，艺术设计发展的原动力在于人们对美的不懈追求。这种追求是自发的、与生俱来的。正是这种对美好事物的向往与追求，成为推动社会经济发展的强大动力。我们说科学技术是生产力，就在于它能推动社会经济的发展。而在人类设计史上，科学技术总是通过与艺术结合的方式同人类生活发生联系的。艺术设计能够促进社会经济的发展，主要表现在它不仅满足了人们不断增长的物质需求，也满足了人们的精神需求。 其次，艺术设计所带来的，不仅是精神上的愉悦与享受，更重要的是，它可以改变人们的生活方式。艺术设计是把预期目的和观念具体化、实体化的手段，是人们进行经济建设活动的先期过程。它的本质是人们对将要进行的经济建设活动作出艺术化的设想和筹划。总体来看，这种设想和筹划是进步的，发展的，甚至是超前的。从这个意义上，也说明了艺术设计是一种推动社会发展的动力。 艺术设计促进社会经济发展的典型案例，就是设计史上常常提到的"包豪斯运动"。它源于德国发展于美国，极大地促进了美国经济的迅速发展。 三．艺术设计必须融于社会经济发展自己 通过以上分析，我们基本上可以明确艺术设计与社会经济发展的关系。这对于如何发展艺术设计具有指导意义。 1．艺术设计与社会经济的关系愈加密切。 邓小平在1992年的南巡讲话中说："……应该主要看是否有利于发展社会主义社会的生产力，是否有利于增强社会主义国家的综合国力，是否有利于提高人民的生活水平……"这也指出了艺术设计的发展方向。 英国首相撒切尔夫人说："设计是我们工业前途的根本，优秀的设计是成功企业的标志"。日本的企业巨头松下幸之助从美国考察归来时说："今后是设计的时代！"，香港理工大学设计系副主任林衍堂曾说："……面临世界贸易全球化发展，如果缺少工业设计在产品领域中的必要作用，中国的经济损失是不可估量的"。在德、美等国，从一开始就很注意把设计和产业密切结合起来，在飞快发展的电器工业方面一度走在了世界的前头。从这个角度来说，"艺术设计也是一种生产力"、"设计就是经济效益"的说法并不过分。我们都知道，我国的产品出口到国外，一直都是"一流质量"、"二流包装"、"三流价格"。这在很大程度上与国内企业不重视产品造型设计、产品包装设计有关。社会经济的不断发展，使人们对生活质量提出了更高的要求，这又要求艺术设计必须跟上社会经济发展的步伐，紧随时代的发展而发展。 2．艺术设计的发展方向必须符合知识经济的发展方向 知识经济是继工业经济之后的又一次革命。知识经济与工业经济的不同之处在于：知识经济崇尚知识、脑力，重复劳动不再占据主要地位。知识经济为艺术设计的发展提供了机遇与土壤。艺术设计不是对客观世界的简单反映，它强调创造性与个性，具有化腐朽为神奇的力量。通过艺术设计，可以提高产品的科技、艺术含量，提高产品的审美附加值，从而创造出更多的经济效益。 顺应知识经济的发展方向是艺术设计发展的必由之路。我们必须自觉、主动地把握知识经济社会的特点，使设计思想、设计观念、设计方法、设计手段、设计传播等诸方面打上信息时代的烙印。 3．艺术设计必须与先进的信息技术相结合 艺术设计的发展不是孤立、片面的，它必须不断吸取其他科学的最新成果发展自己，从而更好地实现为社会服务的宗旨。 各个历史时期有其自己的时代技术。例如石器时代的打磨技术、青铜时代的铜冶炼技术和钢铁冶炼技术、近代的电器技术、现代的电子技术和生物技术。尼克拉·歇菲尔说："艺术创造过多，换句话说，不得不使同样的形式漫无边际地重复着，因此，必须将手段和形式同时加以改变。"电子信息技术的飞速发展为艺术设计手段的改变提供了技术上的保证，势必引发设计思想、设计观念的变革，只有有意识地运用现代科学技术和艺术的手段去拓展生活文化中的精神空间，才能完成时代赋予艺术设计的使命。 一方面，随着经济的发展，人们生存要求的变化，大众审美趣味的转移等，促使设计必须时时以新的姿态不断演变。另一方面，艺术设计又影响着人们的生存方式。当今，以计算机网络为代表的信息时代的来临，社会经济活动逐渐转向信息生产、信息加工、信息处理、信息传播等形式，这为艺术设计的发展提供了更为广阔的空间。 通过分析，我们明确了艺术设计的地位以及它与社会经济的关系。艺术设计的根本任务，是创造美的生活。因此，艺术设计必须坚持源于生活、高于生活，更广泛地应用于生活各个方面，更好地为社会经济服务。希望采纳
